宋代小品山水名画赏析视频,中国山水画的魅力

山水 Drawing缩写为“山水”，是我国绘画系之一，。这是一幅以描绘山川自然风光为主题的画。魏晋六朝，逐渐发展，但仍是人物画的底色。从到隋唐，出现了许多独立的山水画，到了五代北宋时期，在日趋成熟。从此，成为中国画的一大绘画题材。主要有绿松石、金碧辉煌、无骨、浅绛、墨香等形态。在艺术表现上，强调商业立场和意境。有句话叫“寻其奇峰而拟之”，又说，“我爱看古刹的苔痕。过去常写野生悬崖的根。画的是精神到处漂浮，没有真理和真正的灵魂。

1.中国古代的自然美画家山水绘画感受到了山川之美，就画了出来。山水画，对于他们的创作来说，首先要有自然的客观存在，然后才是，他们在体验和表现自然美的时候，一定的社会历史时代和一定的阶级意识在他们身上起到了这个作用。据《世说新语》记载，东晋大画家顾恺之自会稽归来后，人们问他山川之美在哪里。他回答说:“万石美在，那里的千山万水都在挣扎，植物都笼在上面。如果云上升，将蓬勃发展。

中国传统山水绘画的表现手法——树法的基本内容是树干、树枝、树叶三个方面。树干和树枝的绘制以线为主，树叶的绘制以点为主。通常先画树干，再画树枝，最后画叶子。树干以双线绘制，略平行且线条变化，再根据不同树种进行揉搓描绘。宋元山水绘画非常讲究线条的形状，树干的形状也非常复杂多变。学习和研究郭的《早春图》和王蒙的《清边归隐图》中的树木，对初学者十分有益。

树枝的基本形态主要是鹿角和蟹爪。树枝往往是一笔一画，但需要用笔从容。树干和树枝用以中心为中心的线条来表现，笔法和笔法的差异形成了山水绘画中以南北方为代表的不同流派和风格。明代董其昌崇南贬北。在用墨方面，树干枝干的画法比较简单，用墨线的长短和干湿浓淡来表现变化。上一代大师用断墨的方法描绘枝干，石涛是第一个被提升的。树枝的变化是表现树木神韵的主要手段，所以历代的大师都特别注重树枝的表现，尤其是上面树枝的表现和一个人头部的表现一样重要。

千里河山的画面，表现了山峦、深石和山谷、平峰和斜坡、流溪和飞泉、水乡和野市、渔船和游艇、小桥和水车、亭台楼阁，以及钓鱼、观光、旅游、渡江等人们的活动。完全继承了隋唐以来绿松石山水的表现手法，突出了石头、青石、绿色的浓绿效果，使画面明亮丰富。水、天空、树木和石头都被渲染成粉和赭石的颜色。写生画轮廓，偶尔用无骨法画树干，触摸画山坡，丰富了绿松石山水的表现力。

充满了作者对美好生活的向往。这幅画的作者以“千里之外”的表情和精准的笔触描绘了祖国的锦绣河山。千山的画面，江河纵横，气势磅礴。山中多石飞泉，茅草屋顶茅屋，松柏翠竹，绿藏红花点缀其间。山川溪流之间，河湖之间，渔村之间，小桥流水之间，一切都令人目不暇接。在笔法上，作者继承了传统的绿松石山水画法，更加细腻严谨，在点画和晕染上可以做到一丝不苟。人物虽小如豆，但形象动态生动。

特点:故宫画院进入最活跃阶段，绘画崛起；风俗画是当时画坛最大的亮点。代表作:北宋张择端《清明上河图》。几年前，我写过一本高中生课外读物。说到这个问题，可能在某些地方有一定的参考意义。宋元山水绘画的三种意境【文化追求】“中国艺术的最高成就是绘画，绘画的最高成就是推山水。山水绘画兴起于盛唐，最高境界的绘画大多产生于宋代。

南宋宗炳的“山水画序”提出了著名的透视法则:“竖画三寸，高如千刃；几英尺宽的墨水有一百英里远。”北宋郭的《林·高泉志》“远看得其势，近看得其质。”“那座山在三英里外。从山脚爬上山是崇高的，从山前窥视山后是深远的，从近山看山是深远的。清高之色明，深远之色重，平远之色明。”“水的颜色春绿，毕夏，秋天的绿色，冬天的黑色。天空是春天(明亮)，夏天(浅蓝色或草绿色)，秋天是晴朗的，冬天是黑暗的(深黑色)。

众所周知，中国传统文化的核心是道。道是什么？用现代的话来说就是宇宙万物自然发展的内在规律，中国古代的“道”思想即使在今天也具有很高的科学文化价值。好花鸟画。人物画也强调道的实现，但也只能算是“小品”，因为没有完全体现天地之道。山水画，画的是天地山水船、房子、树等。一般人看画都会看到这些东西。第一，喜欢他们。

其实中国山水绘画的文化内涵远不止于此。外在形式只是中国画家借道来表达他们对道体的理解的载体，目的不在于画这些材料甚至不在于写实，而在于试图表达自己对自然的理解，以达到天地之道。在学者眼中，中国龙是中国人在历史演变过程中逐渐形成的图腾符号；在中国画家眼中，它是自然界能量运动的痕迹；在普通人眼里，大理石花纹只是普通的石头花纹；在中国画家眼中，它是自然界能量运动的痕迹，一切事物，包括生命，都是按照这个痕迹形成和发展的。